1974年、ボサノヴァの名盤『Elis&Tom』が収録された「マイクのまわり」

軍事政権下のブラジルで国民的スターとして活躍していたエリス・レジーナ。

1960年代に「イパネマの娘」の大ヒットで世界的人気を博し、アメリカで活動していたアントニオ・カルロス・ジョビン（トム・ジョビン）。

1974年、ふたりが共作し、後に名盤となる『Elis & Tom』のレコーディングが行われる。ポップスターのエリスと古き良きシンプルな音楽を好むトムとの相性は最悪で、エリスの当時の夫でアレンジャーだったセザル・カマルゴ・マリアーノとトムとの関係にも亀裂が生じていた⋯

時間が経ってこそ可能になる物事があるかと思います。色々な事情があってすぐには発表できなかったり、うまくいかなかったり⋯⋯

「やっとこのレコーディングのことを語る時が来たか」という関係者を近年取材したときのコメントが本作の序盤に含まれていますが、約半世紀にわたり埋もれていた名盤『Elis&Tom』の収録風景のオリジナル映像が今回4Kリマスターされ、現代のインタビューも追加して作品化されました。

写真だけ見ると楽しそうな場面が多いですが、実際には音楽性の違いやレコーディングをめぐる葛藤が現場にはあったといいます。家族や関係者、バンドメンバーの証言とアーカイブ映像を通して、その全容が浮き彫りになっていきます。

さいきん名作のデジタルリマスターも多いですが、最新の技術によってそうしたアーカイブ映像から「発掘」された場面を使って、映画やシリーズ作品が生みだされることも多くなってきました。個人的には、2021年に配信プラットフォームDisney+で発表された『ザ・ビートルズ: Get Back』になぞらえながらみていました。

映画のメイキングを「Behind the Scenes」（シーンの後ろ側）といいますが、本作やビートルズ作品のような優れた音楽ドキュメンタリーは「Around the Microphones」（マイクのまわり）とでもいえる空間を観客に感じさせてくれます。

既に映画を観る前に繰り返し音源を聴くとしても、映画鑑賞後に初めて聴くとしても、「あぁこの歌が歌われたまわりにはこんな光景があったのか」と感慨深くなる『エリス＆トム ボサノヴァ名盤誕生秘話』は3月6日(土)より角川シネマ有楽町　YEBISU GARDEN CINEMA　アップリンク吉祥寺　ほか全国順次ロードショー。その他詳細は公式HPでご確認ください。

ジェシー・アイゼンバーグ自身が投影された、ポーランド行ロードムービー

ニューヨークに住むユダヤ人のデヴィッドと、兄弟のように育った従兄弟ベンジー。現在は疎遠になっている2人は、亡くなった最愛の祖母の遺言によって数年ぶりに再会し、ポーランドのパッケージツアーに参加することに。

正反対な性格のデヴィッドとベンジーは時に騒動を起こしながらも、同じツアーに参加した個性的な人たちとの交流や、家族のルーツであるポーランドの地を巡るなかで、40代を迎えた自身の生きづらさに向きあう力を見いだしていく。

2026年最初の投稿になりました（今年もよろしくお願いします）。この映画は、西遊旅行のリピーターのお客様にはとても楽しんで観てもらえると思い、最初の投稿とさせてもらいました。

アカデミー賞にもノミネートされた本作ですが、実はやや特殊で個人的な作品です。facebookの創業者を描いた『ソーシャル・ネットワーク』の主演で有名な俳優のジェシー・アイゼンバーグ。

自身もユダヤ人ですが、「ユダヤ人とポーランドの人たちの関係を改善したい」という思いから自分で監督を務め、劇中では彼自身が主人公を演じてポーランドへの旅物語を形づくりました。

つまり、フィクションなのですが、半分ジェシー・アイゼンバーグの個人史・境遇が入り込んだ話ということです。インタビューをみたところ、ジェシー・アイゼンバーグは「ポーランドにツアーに来たような心地になってほしい」という思いで本作をつくったといいます。

だからなのでしょう。この映画は、物語そのもの(話の筋)にも、登場人物たちの心情にも、ポーランドやホロコーストの歴史にも、あまり奥深く踏み込みません。もちろん、登場人物たちは自分の出自や現状に関して打ち明け話(たとえばアフリカ系の登場人物はルワンダ虐殺の生存者であることを序盤で話す)をするし、巡る地もいわゆる「ダークツーリズム」といわれるような強制収容所や戦争関連の場所で、エモーショナルな場面も多いです。

それでいて本作がユニークなのは、ツアーというものに集まる人々を俯瞰的に、「興味深い集団」として捉えている点です。ツアーガイド・添乗員はもちろん人間で、それぞれの思いや人生のタイミングがあります。お客様もそれぞれの旅の目的・好み・背景がある。時に同傾向の人々が集まり、時に異種多様な人が集まる。いずれにしても、「◯◯に行く」という同じ目的は共有している。その絶妙なバランスを持つ「ツアー」の面白さそのものを、ジェシー・アイゼンバーグは注力して描いています。

観ていただかないと説明が難しいのですが、観て頂けると「あーなるほどそういうことか」と、西遊旅行のお客様にはわかってもらえると思います。

幸いにも、西遊旅行のツアーにはポーランドや旅の出発点・ワルシャワ等に行くツアーはあっても、まったく同じ行程のツアーはありません。なので、映画を観た後に安心して「実際に行った心地」になってください。

アフリカ・中米のコーヒーが、自分のカップに注がれるまで

コーヒー文化を牽引する、ニューヨーク、サンフランシスコ、ポートランド、シアトル、東京の5つの都市で活躍するコーヒー店オーナーらプロフェッショナルたちのコーヒーへの哲学や仕事ぶり。そして、そのコーヒーがアフリカや中米で栽培される背景を追ったドキュメンタリー。

「ブルーボトル・コーヒー」創設者ジェームス・フリーマン氏をはじめ、2013年に閉店した表参道の「大坊珈琲店」オーナー・大坊勝次氏、下北沢の「Bear Pond Espresso」オーナー・田中勝幸氏、表参道の「OMOTESANDO KOFFEE」オーナー・國友栄一氏ら、東京で活躍するコーヒー関係者も登場する。

「Seed to cup（シード・トゥ・カップ）」という言葉を聞かれたことがある方は多いと思います。この映画が主題にしているのは、スペシャリティコーヒー。コーヒーの種（seed）から一杯のカップ（cup）に注がれるまでの全工程（栽培・収穫・精製・輸送・焙煎・抽出）において、一貫した品質管理と管理体制を行い、その過程が明確なコーヒーのことです。

ある機会があって10年以上前に制作された本作を観たのですが、気候変動が当時よりも著しくなり、より環境変化について体感することが多くなった2020年代半ばにぴったりの作品だと思いました。

僕が特に印象に残ったのは「良い果物やコーヒーの味というのは、景観（landscape）を目の前にするのに等しい」という主旨のインタビューです。話し手は、スペシャリティコーヒーの生みの親とも言えるジョージ・ハウエル氏。

便利さ、早さ、多さ。こういったものが半世紀以上世界を席巻してきました。しかしもうそれでは世界、ひいては地球が持続し得ない。そこで緩やかさ、質の高さ、稀少さといった要素が大切になってくる。

たとえばアメリカ・ポートランドの生豆バイヤーは、ルワンダのコーヒー豆生産者たちと直接取引を行って、生産工程や精製について確認しあいながら年に何千回もテイスティング作業を繰り返しています。非効率かもしれませんが、こうした意志と行動によって循環が促されるのだということが描かれています。

特に、ホンジュラスのコーヒー農家の人々が、バリスタの手によって初めて自分のコーヒー豆で淹れられたコーヒーを飲む場面はとても心に残ります。「作っている人は飲んだことがないのか！」と、驚かざるを得ませんでした。

そんな光景を観た後はコーヒーが味わい深くなりますし、どんな食べ物であれ「おいしい」と思うこと自体がまぎれもなく「旅」なんだと感じるようになるのではと思います。

日本の光景やインタビューも多く映っていて66分と鑑賞しやすい長さの『ア・フィルム・アバウト・コーヒー』、美味しいコーヒーを飲みながら是非観てみてください。

知られざる中国・黒龍江省のオフビートドラマ

中国最北東の黒龍江省の最北東にある田舎町・鶴岡。あるカフェで二人の男が出会う。

彼らは街をぶらつき、サウナに籠り、求め合い、真実の愛に近づいていく･･･

日本から意外と近く手軽に行ける黒龍江省。省都・ハルビンまでのフライトをサッと調べてみたところ、航空券はひと桁万円でさほど高くなく、直行便だと3時間強で着きます。

ロシアにも近く、エキゾチックな町並みが特徴的。そしてとにかく「寒そう！！」というイメージがあります。氷祭りの写真はいつ見てもダイナミックで、日本の東北・北陸・北海道のかたもびっくりな光景かと思います。

しかし、あまり黒龍江省を旅した人の話を聞いたことがありません。ひとりだけ、ハルビンに留学していた友人がいるので、いつも会うとハルビンや黒竜江の話を聞いてしまいます。

近いのになぜあまり日本人にゆかりが無いのかはわかりませんが、そんなポジショニングがゆえに、「黒竜江の映画」と聞いただけで読者の皆さんも本作に興味がわくのではないでしょうか。

監督は黒龍江省の鶴岡で約20年映画を撮り続けてきたといいます。日本では奈良生まれの河瀨直美監督がそうですが、故郷で多くの作品を撮るタイプの監督は少なからずいます（ちなみに、僕はいまだに出身地・東京で作品を撮ったことがありません）。

町を知り尽くした監督が映す町の物語は、きわめてローカルなはずですが、普遍的なものに変身します。

モーパッサンの古典的名作「ベラミ」(※「美しき友」の意)を下敷きに、本人たちは退屈そうだけれども可笑しく愉快な光景が、時折流れるアルゼンチン・タンゴの旋律とともにゆったりと展開されます。

監督のインスピレーションとなったのは、コロナ禍だっといいます。未曾有の孤独。それでもつづく権力による支配。なおさら逃げたくなる旧来的価値観による抑圧･･････同性愛を描いた本作は自国では上映禁止となっています。しかし、グツグツと煮えたぎる怒りをただ不機嫌に投げつけるのではなく、荒涼とした黒竜江の風土へ打ち水するように淡々と散らしていくタッチは世界中で好評を得ています。

どことなく北欧映画の雰囲気も想起させるユニークな一作11月15日(土)よりユーロスペースほか全国順次上映。その他詳細は公式HPでご確認ください。

「きっかけ」は振り返ってわかるもの―アイスランドの歴史を変えた1日

1975年10月24日、北欧アイスランドが「ジェンダー平等先進国」となる大きなきっかけとなった「女性の休日」。この1日の出来事で国は機能不全となり、女性がいないと社会がまわらないことを証明した。

その後、アイスランドは1980年に世界初の民主的選挙による女性大統領が誕生し、16年連続でジェンダーギャップ指数1位（2025年現在、世界経済フォーラム発表。日本は118位）を維持している。

アイスランドが「ジェンダー平等先進国」となる大きなきっかけとなった、知られざる運命の1日を振り返るドキュメンタリー。

アイスランド映画というと、大自然や動物などが題材の作品が多いです。このようなアイスランド社会に関するドキュメンタリーというのは初めてめぐり逢いました。

監督はアメリカ人の女性で、アイスランド旅行中に偶然ガイドブックで「女性の休日」の情報を目にして、当時90％の女性が同時に行動したという事実にインスピレーションを受けたそうです。

本作を観て僕は「きっかけ」というものの大事さを感じました。

ある出来事が起こる時、その出来事自体から時が流れ始めるのではなく、きっかけから流れ始めているではと思います。「家に帰るまでが旅」とよく言われますが、スタート地点のことを言うならば、きっかけからすでに旅は始まっています。でも、きっかけの面白いところというのは、後々振り返ってみないと何がきっかけだったのかわからないことが多いということです。

たとえばインタビューの中で印象的だったエピソードは、「裁縫しない裁縫クラブ」というものが存在していたことです。裁縫は口実で、集まってあれこれと話し合うことがメインだったといいます。その多様な話題は大半が「男性と対等に扱われないこと」ということに紐づいていて、そこに時間の渦のようなものが起きた。それが1970年代、ネットもSNSも無い時代に、女性たちを一致団結して「休み」という形をとったストライキを起こすきっかけの一つになったのでしょう。

当事者たちが、まるで昨日の出来事かのように「歴史を変えた1日」のきっかけを生き生きとした言葉で振り返る『女性の休日』は、10月25日(土)よりシアター・イメージフォーラムほか全国順次上映。その他詳細は公式HPでご確認ください。

巨匠ウッディ・アレンが描く、サン・セバスチャンの魅了

ニューヨークの大学の映画学を専門とする教授で、売れない作家のモート・リフキンは、有名なフランス人監督フィリップの広報を担当している妻のスーに同行して、サン・セバスチャン映画祭にやってくる。

リフキンはいつも楽しそうな妻とフィリップの浮気を疑っているが、そんな彼が街を歩くと、フェデリコ・フェリーニ監督の「8 1/2」の世界が突然目の前に現れる。

さらには、夢の中でオーソン・ウェルズ監督の「市民ケーン」、ジャン＝リュック・ゴダール監督の「勝手にしやがれ」の世界に自身が登場するなど、クラシック映画の世界に没入する不思議な体験が次々と巻き起こる。そんな中、リフキンは地元で医師として働く１人の女性と出会い･･･

コメディや脚本の巧みさで世界的に有名なウッディ・アレン監督が、美食の町サン・セバスチャンで映画を撮るとこうなるのかという一作。

サン・セバスチャンは映画の町でもあります。世界三大映画祭はカンヌ・ベネチア・ベルリンですが、五大まで数えるとスイス・ロカルノ映画祭、そしてスペインのサン・セバスチャン映画祭が毎年9月に開催されます。

本作の映画祭期間中の物語で、ウッディ・アレン監督らしく皮肉も混じっているのですが、映画祭への皮肉もまじっていて「巨匠だから許される」表現がちらほらあります。

映画祭で世界各地に行くとなると「いいなぁ」と思われがちですが、実は商談やパーティー続きで観光はほとんどできないし、体力的にもかなりキツいです 笑

主人公のリフキンは映画祭から脱線して、地元に住む女性と観光しつつ親睦を深めていきます。

サン・セバスチャンの食の魅力がメインとして語られる物語ではありませんが、サン・セバスチャンが風光明媚で素晴らしい食文化があるということが「あたりまえの前提」として描く。そんな場所だからこそ、こんなロマンチックな出来事が起こるのだというのが巨匠ウッディ・アレンの映画文法です。

ウッディ・アレンが他のヨーロッパで撮った『ミッドナイト・イン・パリ』『ローマでアモーレ』などとあわせて、『サン・セバスチャンへ、ようこそ』をぜひ楽しんでみてください。

マッコウクジラのいる海中へ、「見たことのない光景」を求めて

アメリカ出身の水中カメラマン、パトリック・ダイクストラ。10 代の頃、博物館で巨大なシロナガスクジラの レプリカを見て衝撃を受け、いつかこの地球史上最大の動物に会おうと心に誓う。

大学卒業後は弁護士として 活躍していたが、野生動物への情熱を諦めきれずカメラマンに転身。シロナガスクジラに会うために様々な海に出かけ、クジラ全般に関心を持つようになる。

ある日、パトリックがドミニカの海中でクジラを探していると、1頭のメスのマッコウクジラが近づいてくる。「ドローレス」と名付けたそのクジラに1年 後に再会すると、ドローレスはまっしぐらにパトリックに近づき、興味津々な様子でスキンシップをとってくるのだった。

ほどなくしてイギリスでオスのマッコウクジラの集団座礁に遭遇したパトリックは、悲惨な出来事を減らすため、マッコウクジラの生態をもっと知りたいと願い、マッコウクジラにカメラを装着して彼らが一生の大半を過ごす深海での様子を撮影しようと試みる。その相手は、ドローレスしかいないと考え、ドローレスを再び探し始める･･･

皆さんは、「1万時間の法則」のことを聞いたことはあるでしょうか。ビジネスなどで時折引き合いに出される考え方ですが、ある分野で秀でた存在になるには、約1万時間（毎日8時間だと約3.4年）の練習や学習が必要だという法則です。

題名からお気づきの通り、本作の主人公のパトリック・ダイクストラ氏が海やクジラにかけている時間はそれをはるかに超えています。その強力な好奇心のなす業の恩恵を、映画鑑賞を通じて観客は受け取ることができます。

何がそこまで彼を引きつけるのでしょうか。単純にクジラのことを知りたい、生態系や環境を守りたいといった目的もあることが語られます。しかし、彼が何より強く追い求めているのは「見たことのない光景」というものです。

クジラ個体の姿・部分・アングル、クジラのいる海や海域が見せる表情。それらをおさめると共に、パトリック氏が「こんな光景は始めて見た」と見出す姿も、カメラ(映画撮影のほう)は静かに見つめます。

僕はこの画にとても惹かれるものがありました。「こんなクジラの姿、海中の光景があるのか」と単純に思いました。

そういう発見・気付きから得られるパワーというのは、積み重なっていくと日々を生きる力に変わると思います。そしてそれは誰のおかげなのかというと、日々クジラや海のことを見つめているパトリック氏のおかげで、彼に対する感謝と尊敬の念がとても鑑賞後にじわじわと湧いてきました。

『パトリックとクジラ 6000日の絆』は8月29日(金)より新宿武蔵野館、ヒューマントラストシネマ有楽町、アップリンク吉祥寺ほか全国公開中。詳細は公式HPをご確認ください。

1970年代ブラジル、夫の「長き不在」を必死で埋める妻の抵抗

1971年ブラジルのリオデジャネイロ。軍事独裁政権に批判的だった元下院議員のルーベンス・パイバが、供述を求められて政府に連行され、そのまま行方不明となる。

残された妻のエウニセは、5人の子どもを抱えながら夫が戻ってくることを信じて待つが、やがて彼女自身も拘束され、政権を批判する人物の告発を強要される。

釈放された後、エウニセは軍事政権による横暴を暴くため、また夫の失踪の真相を求め、不屈の人生を送る。

旅行パンフレットの見出し写真1枚だけで、「行ってみたい！」と旅に導かれることがあるかと思います。同様に、内容はともかく予告編の雰囲気だけで、ポスターだけで、見出し写真1枚で惹かれる映画というのがあると思います。本作はまぎれもなくそのタイプの作品です。

「1970年代のブラジルの話」と聞いて即座に「お〜それは観たい！」となる日本人はなかなかいないのではないでしょうか（そうでもなかったらすみません）。というのも、ブラジル移民などのゆかりはあるとはいえ、ブラジルというのは日本からはとてもとても遠い国で、描かれている時代が1970年代となるととてもイメージしにくいだろうと思うからです。

しかし、本作の写真を観たときに僕はとても惹かれるものがありました。それはテクスチャといいますか、映画の「手触り感」です。

実際本編を観てみると、様々な時代考証がされていることが、ほのかな懐かしさに包まれて伝わります。現代のブラジルで撮ったとは思えないほど、人々が着ているもの、振る舞い、行き交う車、家具などまで徹底されています。おそらくポルトガル語の喋り方なども徹底されているでしょう。

なぜそこまで徹底されているのか？　それは監督・脚本家・制作陣たちの個人的な思いや記憶によるものだと思います。この時代の、この家族を、この主人公を描くことが自分たちにとって大切だと信じたチームの素晴らしい仕事だと感じました。

「最も個人的なことが、最もクリエイティブなことである」という映画監督マーティン・スコセッシの言葉でがありますが、題名にＩ（アイ）と入っている通り、とても個人的な思いが、一つの「時代」を大胆に映し出している作品です。『アイム・スティル・ヒア』は8月8日より新宿武蔵野館ほか全国公開中。詳細は公式HPをご確認ください。

トルコ南部を幽霊に導かれ行く、急がない旅

イスタンブールで生まれ孤児として育った新米霊能力者ダフネは、長い間行方のわからない母親を探すため、古代遺跡の残る地中海の町シデへやって来る。

ダフネのもとに残された手がかりは、はるか昔にトルコの名もない遺跡で撮影された、母親のぼやけた写真だけだった。

マルクス主義の革命家、娼婦、原始の巫女といった不思議な人たちと出会い、彼らの協力を得て母親の行方を探すダフネはアンタルヤへ辿り着き･･･

トルコというと「文明の十字路」というキャッチフレーズや、イスラーム文化なイメージが連想されることが多いかもしれません。現在のトルコの国境線が敷かれてからは約100年。歴史的には「アナトリア」（ギリシャ語の「アナトリコン（Anatolikon）」が由来で「日の出」や「東方」を意味する）として知られ、北は黒海、西はエーゲ海、南は地中海にはさまれている地です。

本作の舞台になっているトルコ南部は、列柱がそこかしこに建ち並び、ギリシャやローマと見違えるような光景が広がっています。

僕も学生時代にトルコへ旅した時は、ギリシャから鉄道を乗り継いでイスタンブールに入り、ローマ帝国時代の円形劇場や温泉の残るパムッカレやカッパドキアを巡りましたが、ヨーロッパとトルコ「地続き」であることをその時体感したのをよく覚えています。

この映画が描く旅（そして鑑賞しているひととき）は、とても「贅沢」だと僕は感じました。それはダフネの旅に全く「急ぐ」という場面がないからだと思います。

じっくりと、かつてこの世を去った亡霊たちの思いを聴き、自分自身のルーツとこれからを見つめる。

そして、ダフネの表情や声の張りが明らかに（でも静かに）変わっていく。そうした一連の流れは、忙しない日常を送りがちな現代日本の観客を癒やしてくれることでしょう。

本作は幽霊が出てきますが決してホラーではありません。生死の境目をゆるりと越えて、ダフネは出会う人々と別け隔てなく対話していきます。人間界と霊界の境目があいまいな感覚が、トルコでは普通なのか珍しいのかはわかりませんが、日本人にはとても親しみやすい感覚であると思いました（だから昨年の東京国際映画祭で作品賞をとったのかもしれませんね）。

作中の不思議なテンポを後押しするサウンドトラックも、「文明の十字路」的にボーダレスな響きで素敵な『わたしは異邦人』。8月23日から渋谷ユーロスペースほか全国順次公開。詳細は公式HPをご確認ください。